Bea Meyer

At the moment when someone turns away from the actual object to instead seeking out the networks and sources that make up its environment, there is a constructive and beautiful shift of attention. On the one hand, the more acceptable description of the observed can take place here. On the other hand, it suddenly becomes clear which connections are steady, what remains or changes - and this leads to a stronger focus on (self- ) understanding, world-relationship and sense of community. It is also productive that this shift, when used in self-reflection, makes it obvious why someone is like he/she is and does not emerge out of himself or herself, but through the frame of reference in which the person operates. Following this notion, the BAND exhibition interlinks the artistic positions of two artists, who have been linked by friendship for many years, Hubert Becker and Bea Meyer: A picture memory created as a by-product is shown, ribbons are woven, pictures are embroidered, connectors are projected. In this tracing of the daily-changing reference points and the investigation of constantly moving constellations and conditions, an unusual fusion of reflection and presentation occurs. It is precisely this aspect of the shifted observation that shows that we are also what surrounds us. This is the moment that makes it clear that it must always be considered worthwhile for every single person to follow their own connections.

“Landschaft und Listen” showcases Meyer debating form, representation and meaning of data in relation to the reality of life. She distills self-collected data into artistic formats; weaving together her movements, calendar records and biometrical data into an exhibition. Exemplifying herself, Meyer records data and transfers it to the context of art. She discloses personal information and thus reflects on subjectivity, neutrality and abstraction of data and its artistic value. Who and what am I as an individual and as part of an abstract, data-generating crowd, leaving digital footprints, globally and ceaselessly.
The square images of the series “L” depict constellations of biometrical pro­perties, bearing a likeness to juxtaposed satellite images of landscapes. Meyer enlarges and transfers them, resembling analogue maps, by stitching them onto paper. In the ongoing series “RB” Meyer creates patterns of move­ment. Much like a seismograph, she records the vibration of movement, in a decelerating process of transfer onto fabric.
One focal point of the exhibition is Meyer’s recent work “VOR”, a personal collection of data, published in book-form. The media artist has typed out her calendar entries of the last 15 years chronologically, one-by-one, thus com­pressing them into a textual tapestry. In “VOR”, characters and numbers rela­ting to private life, work and the world outside are arrayed and juxtaposed to form a generalized score. “VOR” also constitutes the point of departure for further work: “VOR lesen”, “Rauschen”, and the performance “VOR und sprechen” in collaboration with the artist Angelika Waniek. Meyer develops interpretations and modulations of her pool of recorded data, and thus creates a space characterized by a specific time and specific features.

Ich komme aus einer Welt, die versucht der Manipulation zu enkommen. Das ist für ihn eine mehr als respektable Haltung, denn natürlich verachtet er diejenigen, die sich manipulieren lassen. Er ist keiner der „stumpfsinnig emsigen Empiriker, der die Reibungsflächen aneinander vorbei passiernder Mengen glatter zu schleifen helfen soll“. ¹
Seine Aufgabe ist es „eine gegebene Situation manipulierbarer, technisch verfügbarer zu machen“. ²
Wie aber verhält es sich mit der Manipulation, wenn Bea Meyer mit „Eine Frage der Zeit“ eine Statistik ihrer Ausstellungstätigkeit, in der auch die Geburten ihrer Kinder markiert sind, als große Wandarbeit im Galerieraum präsentiert?
Meyer stellt keine Frage, Meyer stellt eine Antwort aus. Kann man in diesem Fall überhaupt von Statistik sprechen? Welchem Zweck und welcher Erkenntnis dient diese Erhebung?
Mit Statistik asoziieren wir für gewöhnlich drei Funktionsweisen: die sachlich informierende, die ideologiekritische und die manipulierende. Egal in welcher Funktion, ist die Statistik ein politisches Instrument, das Verhältnis zu ihr unbedingt politisch. Dieses Verhältnis ist hier nicht gegeben, denn hier wird nichts ins Verhältnis gesetzt, keine Vergleichsgrößen gegeben. Alles geschieht auf einer Achse. Wir haben es mit einer Timeline zu tun, mit einem Tätigkeitsprotokoll der vergangenen 16 Jahre.
Dabei erfahren wir im Grunde nichts über den Menschen Bea Meyer, die Inhalte ihrer künstlerische Arbeit, die Qualität der Ausstellungen, die Kunst am Bau, nichts über die Geburten, nichts über das Verhältnis von Mutter-sein und künstlerischer Tätigkeit. Es sind Fakten und ästhetische Entscheidungen, Zufälle, die ein Bild generieren, das uns zur Verfügung gestellt wird.
Meyer schafft ein abstraktes, vollkommen unemotionales Selbstportrait, dass, auf Serialität verzichtend, den Faktor Zeit zum Thema hat, ohne dass wir uns dabei mit Vergänglichkeit, Altern oder Psychologie beschäftigen müssten. Wieviel Mensch, wieviel, Leben, wieviele Möglichkeiten wir in und zwischen den farbigen Kreisen ansiedeln wollen, bleibt uns überlassen. Mit „Eine Frage der Zeit“ macht Bea Meyer ihre“ gegebene Situation manipulierbarer, technisch verfügbarer“, gerade weil sie keine zusätzlichen Informationen gibt, macht sie sich zu einem Objekt der Spekulation und zur Projektionsfläche.
Am Ende eines langen Telefongesprächs, frage ich meinen Freund, den Doktor der Sozialwissenschaften, inwiefern, seiner Meinung nach eine künstlerische Arbeit, die sich der Statistik bedient, den manipulativen bzw. ideologiekritischen Charakter von Kunst unterstreiche. Nach kurzem Schweigen ändert sich seine Tonlage. Eine Beratungsstunde bei ihm koste 100 Euro, ob ich mir das leisten könne? Ich sage ja und lege auf.

¹ in Alexander Mitscherlich, Die Unwirtlichkeit unserer Städte. Anstiftung zum Unfrieden, 1965, Frankfurt
² Ebenda / ibid.

In my circles, people try to escape manipulation. To him, that is a respectable attitude — obviously he despises people, who let themselves be manipulated. He is not one of those „dull, bustling empiricists, who is supposed to sand down the scources of friction between quantities passing each other.“ ¹
His job is „to make a given situation manipulable and more technically available“. ²
But how does manipulation come into play when Bea Meyer presents statistics on her exhibitory activities, which also mark the birth of her children, as a large wall-painting in her exhibition „a question of time“?
Meyer does not pose a question, she exhibits an answer. Can the given information in this case even be considered statistics? Which purpose does the displayed information serve and to which conclusions does the given data lead?
We usually associate statistics with three categories of function: to objectively inform, to criticize ideologies, or to manipulate. No matter to which avail, statistics are a political tool, the way we relate to them is necessarily political.However, this relation is not discussed, nothing is proportional, no coherent parameters are given. All the data is assembled on one axis. We are looking at a timeline, a protocol of the past 16 years.
We actually learn very little about Bea Meyer personally, the content she is concerned with artistically, the quality of the exhibitions, the art in architecture -projects, nothing about the births of her children or the interference of motherhood and artistic activity. Facts and aesthetic decisions generate the image at our disposal.
Meyer creates an abstract, entirely unemotional self-portrait, which – disregarding notions of serialism – discusses time, without demands for us to debate notions of transciency, aging or psychology.
How much personality, how much life, how many possibilities we want to infuse the space between the colored circles with, is up to us. In „a question of time“ Bea Meyer makes her „situation manipulable and more technically available“. Precisely by not providing additional information, she becomes an object of speculation and a surface for projection.
After a lengthy conversation on the phone, I ask my friend, the doctor of social sciences, in how far in his opinion artistic work employing statistics may underline the manipulative and ideology-critical character of art. After a moment of silence his intonation changes. For an hour of professional consultation he charges 100 Euro, would I be able to afford that? I say yes and hang up.

»Eine Frage der Zeit« nennt Bea Meyer ihre Ausstellung und spricht aus, was für ihre Arbeiten grundlegend ist. Immer wieder thematisiert die Konzeptkünstlerin die Rahmenbedingungen ihrer Existenz und ihres Schaffens als Positionsbestimmung unseres Daseins. Meyers subtile Arbeiten zeigen einen natürlichen, intuitiven Minimalismus mit subkutanen Wirkungen. Sie sprechen in einer eigenen Sprache über Gesellschaft, Schönheit, Zufall und unsere »Vita Activa«. Meyer stellt dar, legt offen, vergegenwärtigt Phänomene im Hintergrund. Phänomene deshalb, weil ihre Arbeiten Meinung verweigern, keine Zeigefinger, kein Verweis auf eine bessere Welt, keine Änderungsvorschläge. Wenn, sind wir es selbst, die Meyers Arbeiten als Affront verstehen, weil wir durch sie auf unsere eigenen Widersprüche treffen.
Bea Meyer ist beides zugleich, involvierte Akteurin und genaue Beobachterin unseres Lebensalltags, eine Protagonistin heute gelebter Gesellschaft. Und sie ist mittendrin. Sie ist Künstlerin, Gesellschaftsführerin und Mutter dreier Kinder. Gleichzeitig erhält sie sich eine intellektuelle Distanz und rezeptive Intuition gegenüber dem System. Ihre Themen kommen zu ihr. Trotzdem ist ihre Arbeit in aller erster Linie eines: Kunst. Die Meisterschülerin der Medienkunst weiss um die ästhetische Autonomie des einzelnen Werks. Überraschend und vielleicht einzigartiger Weise finden in ihrem Schaffen Konzeptkunst und handwerkliche Arbeit widerspruchslos zueinander. Bewusst bestimmen zeitaufwendige, handwerkliche Techniken ihre Werke. Nicht selten sitzt sie wochen-, ja monatelang an einem Werk, um mit immer gleichen Handbewegungen eine »Arbeit« fertig zu stellen.
In der aktuellen Ausstellung zeigt Meyer eine Serie großformatiger Bilder, denen die Verbindung zwischen Mensch und Maschine zugrunde liegen. Was als Bild wie eine abstrakte Verdichtung von Fragmenten zerklüfteter Küstenlinien erscheint, sind in Wirklichkeit seismografische Aufzeichnungen der Interaktion zwischen Mensch und Technik. Schwingungen zwischen Künstlerin und einer Apparatur zur Fortbewegung in hohem Drehzahlbereich. Ein Zusammenspiel aus externen Impulsen und eigener Intuition. Keine Verweise auf Ausgangspunkt oder Ziel. Strecke machen. Überlagerungen von Weg und Bewegungen. Meyer nimmt eine Begleiterscheinung der Technik in den Fokus und die Irrelevanz des Erreichen-Wollens. Vibrationen als formgebende Zuarbeiter. Sie vergrößert ihre Aufzeichnungen und überträgt sie handgestickt auf gegossenes Papier. Linien werden zu Flächen und verlieren ihre Richtung. Es bringt nichts die Geschwindigkeit zu erhöhen, wenn wir uns in die falsche Richtung bewegen.
Vielleicht liegt es am Namensgeber ihres Geburtsorts Karl-Marx-Stadt, dass Meyer Zeit und Arbeit beschäftigen. Die Parameter selbst betreffen uns alle. Beschäftigung als Spielraum zwischen Erfüllung und Überlastung. Selbstbestimmung und Selbstausbeutung einer Künstlerin in Zeiten von Gewinnbeteiligungen und Mitnahmeeffekten. Es ist dunkel, nachtgleich in dem kleinen Raum. Es hängen Leinwände mit der fluoreszierenden, sich mantraartig wiederholenden Botschaft »Arbeiten«. Infinitiv und Imperativ zugleich, als Verb ohne Personalform, für alle sozusagen, als Aufforderung oder gar Befehlsform. In Reih und Glied, ordentlich. Signalrot und Grau auf Grau steht es da, leuchtend schwach. Nein, nicht handgestickt. Meyer eröffnet hier ihren persönlichen Arbeitskampf mit, oder besser gegen, Maschinen, robotergleiche Stickautomaten, erschöpfungsfreien Nachtarbeitern. Sie wird Auftraggeber, sourced out, konzentriert sich auf die Supervision von Fremdarbeit und reiht sich ein, als Glied in ihre eigene Wertschöpfungskette.
»Eine Frage der Zeit«. Der Titel der Ausstellung ist zugleich Titel der zentralen Wandarbeit, einer Tätigkeitsstatistik der Künstlerin über die letzten 16 Jahre. Ein wandfüllender Zeitstrahl ordnet und quantifiziert den Zeitaufwand ihrer Beschäftigung mit Kunstproduktion, Ausstellungstätigkeiten und Geburten, ein entemotionalisiertes Leistungsdiagramm. Bewusst fehlen Vergleichswerte. Den Maßstab setzen wir uns gezwungener Maßen selbst. Der Künstlerin jedenfalls ist es präsent, das Arbeiten bis zur totalen Erschöpfung, Halluzinationen, medizinische Betreuung wegen Überlastungserscheinungen. Es gehört zur Freiheit der Kunst, das eigene Lebenszeitkonto aus Neugierde und Lust zu überziehen, das Lohnen und Belohnen im eigenen Tun auszutesten. Grundlegend ist die Zeit, eine endliche Ressource. Wir können mit ihr gehen oder gegen sie kämpfen. Irgend etwas wird passieren. Meyer überlässt es uns.

Titling her exhibition „a question of time“ Bea Meyer highlights a foundational factor of her work. Time and again the conceptual artist adresses parameters of her existence and her production within the greater framework of our being. Meyers work are characterized by a natural, intuitive minimalism with subcutaneous effects. They discuss society, beauty, chance and our „Vita Activa“. Meyer depicts, unveils, presents backdrop phenomena. Phenomena precisely because her works do not take a stance, they do not point a finger, do not reference a better world or suggest change. If at all, it is us considering Meyers works an affront, because we are thrown back to our own contradictions.
Bea Meyer is simultaneously an involved actor and astute observer of everyday life, a protagonist of contemporary society. And she is in the thick of it. She is an artist, a business associate and mother of three children. At the same time she maintains an intellectual distance and receptive intuition towards the system. Issues come to her. Nonetheless her work above all is art. As a postgraduate in media art she is well aware of the aesthetic autonomy of the single work. In a surprising and maybe even in a unique way conceptual art and craftmanship are intertwined in her work without friction. Deliberately her works entail a time-consuming, craft-oriented production process. Again and again she is occupied for weeks or even months – mechanically using her hands – to complete her „work“.
In the current exhibition, Meyer shows a series of large scale images, which rely on the conjunction of man and machine. What seems to visually reproduce an abstract agglomeration of jagged coastline fragments, actually is a seismographic recording of an interaction between technology and man. Vibrations between the artist and a means of transportation on high speed. A synergy of external stimuli and intuition. No reference to starting point or destination. Covering a distance. Interference of distance and movement. Meyer focuses on a side effect of technology and the irrelevance of the want for arrival. Vibrations as a formative assistant. She scales up her drawn recordings and transfers them onto paper in embroidery. Lines become planes and loose their direction. There is no use in increasing the speed, if we are moving in the wrong direction.
Maybe it is a causal link to the namesake of her birthplace Karl-Marx-Stadt, that make Meyer occupy herself with time and labor artistically. The parameters are valid for all of us. Occupation as creative leeway between satisfaction and being overburdened. Self-determination and self-exploitation of an artist in times of profitsharing and free-rider effects. It is dark, nocturnal in the small room. Canvases displaying the fluorescent, mantra-like message „Arbeiten“ („Work“) are put up on the walls. Infinitive and imperative at the same time, an unconjugated verb, adressing everyone so to speak, as a request or even command. In rank and file, decent. In signal red and in grey on grey it is written, subtly luminous. No, not stitched manually. Meyer declares a personal war with - or rather against - the machines, embroidery robots, nightshift workers that never know exhaustion. She becomes a commissioner, she outsources, concentrates on the supervision of labor and becomes a link in her very personal value chain.
The exhibition title „a question of time“ is simultaneously the title of the central wall-painting, depicting artistic activity over the course of the last 16 years. A spacious timeline visually organizes and quantifies the time spent producing art, exhibitory activities and the birth of children: a performance chart devoid of emotion. Reference values are missing on purpose, we are forced to set the benchmarks ourselves. The artist herself is familiar with working to the point of total exhaustion, hallucinations, medical treatment as a consequence of being overworked. It is a liberty that artists can take: to overdraw ones personal account of time out of curiosity and for pleasure, to test the value and the rewards of ones actions and work. Time is fundamental, a limited resource. We can either like and keep up with it or elect to fight against it. Something is going to happen either way. Meyer leaves it to us.

Anstelle der Erzeugung von Spuren auf einer Oberfläche wird jene also perforiert, das heißt, das Trägermaterial wird verändert und seine Tiefenstruktur ins Spiel gebracht. Das Papier, das Meyer hier als Trägermaterial dient, ist aus Manilahanf gegossen und verfügt daher über eine besondere Reißfestigkeit, die der potentiellen Zerstörung durch seine zweckentfremdete Bearbeitung entgegenwirkt. Die basale Kulturtechnik des Nähens steht für die Herstellung dauerhafter Verbindungen, für das Zusammenfügen von Einzelteilen zu einem stabilen und dennoch flexiblen Ganzen. Das verwandte Sticken dient demgegenüber zwar hauptsächlich der dekorativen Verschönerung, gilt aber ebenso wie das Nähen weniger als eine schöpferische Tätigkeit denn als ein Handwerk, dessen Ausübung viel mit Repetition zu tun hat und in besonderem Maße Konzentration, Präzision und Ausdauer verlangt. Bea Meyer verwendet beide Techniken gewissermaßen gegen den Strich – so durch ihre Anwendung auf die Beiläufigkeit und die Spontaneität von Kritzeleien, denen sie zu einer Solidität verhilft, die dem ersten Augenschein widerstreitet. Zugleich ‚entbirgt’ sie das Nähzeug aus seiner Zuhandenheit – um es mit Heidegger zu versuchen –, das heißt befreit es aus seiner Dienstbarkeit und öffnet den Blick für seine eigenständige ästhetische Dimension: die raue Haptik des Wergs, die Glätte und der Glanz feinen Garns, das Volumen von Naht und Stichen, die Faserigkeit von Papieren. Betrachtet man Technik und Wirkung zusammen erhalten die Arbeiten der Werkreihe etwas von Kippbildern: allerdings nicht im Sinne des Changierens zwischen Figur und Grund, sondern zwischen Zeichnung und textiler Skulptur. Welche der Ebenen in den Vordergrund tritt, ist eine Frage von Nähe und Distanz, des Wechsels zwischen verschiedenen Standpunkten. Die Herausforderung an die Betrachter besteht darin, beide Ebenen gleichzeitig in den Blick zu bekommen und in der Schwebe zu halten – als zwei Ebenen, die ineinander greifen wie die zwei roten Ringe, die aus der (Werk)Reihe zu tanzen scheinen und sie dennoch wie ein Anker zusammenhalten.
 

Instead of generating marks on a surface, the surface is perforated, the support itself is altered and its depth structure brought to the fore. The paper support is made of Manila hemp, which is especially resistant to tearing, counteracting potential damage through unintended use. A basic cultural technology, sewing entails the creation of durable connections, the putting together of individual parts to make a stable and yet flexible whole. Although the associated form of embroidery serves mainly decorative embellishment it shares with sewing the status of handwork rather than creative work. The practice involves a good deal of repetition and demands high levels of concentration, precision and stamina. Meyer deploys both techniques somewhat against the grain, applying them to the casualness and spontaneity of scribblings, to which she imparts a solidity that reverses the initial impression. At the same time, she “reveals” the sewing equipment, raising it from its “readiness-to-hand”, as Heidegger might say. In other words, she frees it from its serviceability, opening to sight its autonomous aesthetic dimension: the coarse texture of the tow, the smoothness and shininess of the fine garn, the bodyness of seams and stitches, the stringy fibre of the paper. When technique and effect are regarded together, the works in the series acquire the character of double images, not alternating between figure and field but rather between drawing and textile sculpture. Depending on the changes in viewing distance, in standpoint, one of the two levels advances into view. The challenge to the observer is to see both levels at once and hold them suspended as a unity, like two interconnected red rings that appear to dance out of the series, while at the same time holding everything together and anchoring it.
 

Die Serie „Schiessen und in die Mitte treffen“ ist aus Kinderzeichnungen entstanden. Bea Meyer hat diese intuitiven, sehr freien und auf eine Art abstrakten Bilder in unterschiedlichster Weise materialisiert, sie vergrößert und in den Bedeutungsrahmen von Kunst übertragen. Hierbei werden sowohl in der technischen Umsetzung als auch im Sujet selbst, Fragen nach der Produktion von Kunst verhandelt. Ähnlich verfährt sie in den Siebdrucken „Mama, aus Spass bin ich jetzt mal eine Frau“. Mit einer Selbstverständlichkeit kommuniziert die Tochter, was gesellschaftlich zu größten Aufregungen geführt hat oder auch führen kann, nämlich, sich frei von Geschlechtszugehörigkeit zu bewegen, frei von Zuschreibungen und festgefahrenem Denken.
Meyer übersetzt den Slogan ins Plakatformat.
„Ella“ und „Juni“ zeigen die Stillprotokolle ihrer beiden ersten Kinder. Wären die Titel nicht, und gäbe es die Information der Künstlerin nicht, blieben die beiden Aluminiumtafeln minimalistische Bildsprache, die zur Decodierung ihren Schlüssel suchten. Frei von jeder Emotion überträgt die Künstlerin, was in der Realität sehr intim und körperlich ist. Diese Ebene bleibt außen vor. Die aktuellste Arbeit „Lovis“ bildet als genähte Handschrift ein Schrift-Protokoll zweier Wochen ab, die beiden Wochen nach Geburt ihrer dritten Tochter. Nur in Fragmenten lässt der Text im Bild Rückschlüsse auf den Inhalt zu. Erneut spielt die Künstlerin hier mit Mitteln der Abstraktion, so, wie auch in den, an der anderen Stirnseite des Raumes hängenden neuen Arbeiten, den „Schreibstoffen“ (Stillen, Arbeiten, Schlafen).
Das Absperrband mit der Aufschrift „Utopia ...“ thematisiert Utopie und die mit ihr verbundenen Fragen von Zugehörigkeit und Ausschluß. Die Idee dazu entstand bei einer Recherche am Bauhaus Dessau. Alle Studentinnen wurden in den 1920er Jahren der Weberklasse zugeordnet. Eine andere Wahl blieb ihnen nicht. Meyer fertigte ein handgewebtes Absperrband und sperrte vor Ort im Bühnenraum des Bauhauses einige Stuhlreihen ab, um den Ausschluß durch Utopien gedanklich durchzuspielen und bei den Veranstaltungen im Jubiläumsjahr erlebbar zu machen.
Um geografische und politische Thematiken bewegen sich die Arbeit „Häkelbild“ und die Serie „Wolke, September 2001“. Das eine Bild ist die gehäkelte Kopie einer Landkarte aus dem Naturkundemuseum mit den Wegen von Zugvögeln. Es taucht das Wort „Leipzig“ auf, die Legende bleibt jedoch unaufgelöst und nicht entzifferbar. Die 4 Teppiche „Wolke, September 2001, 1– 4“ sind die hangeknüpfte Übertragung der Pixel eines Videostills vom 11. September 2001.
Bea Meyer stellt Fragen nach Sinn und Wert, ohne gleich mit Antworten aufwarten zu müssen. Vielmehr beherrscht sie es, die Konflikte ihrer Betrachtungen wertfrei und mit eigener Handschrift darzulegen, mal lakonisch, mal spielerisch, mal kritisch, mal mit klaren Fakten, mal subversiv. Ihr gelingt es komplexe Zusammenhänge zu minimalistischen Bildfindungen zu verdichten.

Bea Meyer zeigt eine Serie von Bildern, die sich mit dem Strich an sich als Form des Ausdrucks beschäftigen. Stapelweise hat Meyer Zeichnungen gesichtet, um letztendlich wenige einzelne als Vorlagen auszuwählen. Oft ist auf dem Papier der Vorlage nicht mehr zu sehen als Strichstärke, Farbigkeit, Duktus und deren Lage. Meyer beginnt die Strichführungen zu manipulieren und zu materialisieren. Sie vergrößert um ein vielfaches. Striche werden Material, Fläche und Gegenstand auf gespannten Textilien. Meyer dekonstruiert den Strich und schafft dadurch Bilder, die ihre Entstehungsgeschichte verweigern.
Die Künstlerin bezeichnet diese Arbeiten selbst als Übertragungen. In den für sie typischen zeit- und arbeitsintensiven Techniken schafft sie in Tagen Bildträger, deren Vorlagen nur in Sekunden entstanden sind. Mit subtiler Sicherheit im Umgang mit Materialitäten nutzt Bea Meyer spielerisch deren Charakter für ihre Bildinhalte: Garne, Kajal, Samt, Leder, Draht, Farbe, Marker. Am Grad zwischen Bildgegenstand, Abstraktion, Proportion und Materialität verdichtet sie Minimales zu großen Formaten.
In der aktuellen Ausstellung thematisiert sie den Schaffensprozess der Kunst selbst. Sie nutzt Vorlagen, die in einer bestimmten, frühen Entwicklungsphase des menschlichen Gehirns entstanden. Impuls, Wille, Intuition und Können setzen sich darin anders zusammen, als beim ausgebildeten Künstler, der sie selbst ist und der eben diese Vorlagen aus der so genannten Krakelphase ihrer beiden Kinder überträgt. Mit diesem Vorgehen schafft Bea Meyer eine Serie abstrakter Bilder, in denen zwei ganz unterschiedlich gesteuerte Schaffensprozesse auf verblüffende Weise zusammentreffen.

This series of pictures by Bea Meyer deals with the expressive qualities of the line. The works are based on a selection of designs culled by the artist from piles of drawings in which there was often little more on the paper than lines of varying thickness, the structural traces of colour and rough compositional outlines. Meyer then proceeded to manipulate and materialise the individual lines. By greatly magnifying the drawings, lines become material entities and physically spatial on the stretched fabric: Meyer deconstructs the line to create images that mystify their origin and how they evolved.
The artist refers to these works as ‘transpositions’: in typically time-consuming and intricate techniques, Meyer creates images based on designs that are rendered in only a few seconds. Responding with sensitive confidence to a range of different materialities she playfully exploits the characteristic textures and properties of thread, eyeliner, velvet, leather, wire, paint and marker pen as the subject matter of her images. Dealing with issues of proportion and material, Meyer hypostatizes the minimal in large images that hover between the representational and abstraction.
Based on designs indicative of the inchoate stages in the development of the human brain, these works deal with the intrinsic processes of making art. In contrast to works by trained artists, here, impulse, will, intuition and aptitude interact differently: Bea Meyer, a trained artist herself, transposes drawings by her two children from what is commonly referred to as the scribble phase. This approach enables the artist to create a series of abstract images in which two entirely separate processes of expression converge – to surprising effect.

Wenn Bea Meyer in ihrer jüngsten Arbeit unter anderem daran erinnert, dass Frauen nach wie vor über ein Viertel weniger verdienen als Männer, ist das nicht als eine Bilanz vierzig Jahre nach diesem Auftakt zu verstehen. Der Anlass ist ein gänzlich gegenwärtiger: ein spontaner Ausspruch ihrer Tochter. Dieser ist, nimmt man ihn beim Wort, ganz auf der Höhe zeitgenössischer Gendertheorie. "Frau sein" und "Mann sein" - das ist ein Stück, das wir tagtäglich aufführen, ein Stück, in dem wir tagtäglich vorführen, was "Frau sein" und "Mann sein" bedeutet. Nur, dass es für uns Erwachsene kein "Spass" mehr ist, die binäre Rollenzuteilung längst erfolgt, das Drehbuch wenig Raum für Improvisation lässt und eine gänzliche Verweigerung nur möglich ist um den Preis, am Rand zu stehen. Bea Meyer macht die Probe aufs Exempel - sie rechnet durch, was es im Ernstfall heißt, in der Frauenliga zu spielen. Zum Beispiel eine höhere Lebenserwartung, aber zur Zeit eben auch eine etwa fünfmal geringere Wahrscheinlichkeit, im Ranking der hundert Top-Künstler aufzutauchen. Es geht Meyer jedoch nicht um die Übermittlung trockener Statistik, die man ebenso gut woanders nachlesen könnte. Daten werden neben Icons, Farbsymboliken und Zitaten ebenso in Spiel gebracht wie verschiedene Bereiche visueller Rhetorik - Werbeanzeigen, Filmplakate, Schultafeln - und eine Bandbreite von Darstellungstechniken - Zeichnen, Ausmalen, Stempeln, Markieren, Schreiben -, um diese künstlerisch produktiv zu machen. Entstanden sind dabei individuell gestaltete Displays, die scheinbar Bekanntem durch Kombination und Bearbeitung eine Drehung versetzen und unsere eingefahrenen Wertungen ins Wanken bringen. So etwa, wenn man einem berühmten Machospruch des Autorenfilmer-Gotts Godard - "alles, was man für einen Film braucht, ist ein Revolver und ein Mädchen" - als altbackener Geschirrtuchweisheit wiederbegegnet. "Ich bin froh, ein Mann zu sein" - wie eine Strafarbeit ließ Meyer diesen Satz von einigen Männern aus ihrem Umfeld auf eines ihrer Plakate schreiben (gnädigerweise nur jeweils einmal!). Ein Statement, für das sich nach wie vor gute Gründe finden. "Girls can wear jeans/And cut their hair short/Wear shirts and boots/cause its o.k. to be a boy/But for a boy to look like a girl is degrading/cause you think that being a girl is degrading [...]" 2 , auch die postfeministische Ikone Madonna ist sich der Hierarchien bewusst, die das Genderspiel immer noch beinhaltet. In der Liste der Umschreibungen, die der "Volksmund" für Frauen kennt, tauchen jede Menge herabsetzender Bezeichnungen auf - eine Auswahl davon hat Meyer in großen leeren Buchstaben aufgezeichnet. Für die noch nicht alphabetisierte Tochter von Meyer sind sie bisher nichts als Leerforme(l)n, die sich bunt ausmalen lassen. Die Arbeiten ihrer Mutter, denen Juni gewissermaßen ihren Stempel aufgedrückt hat - über jedes Bild der Reihe ist ihr Ausspruch gedruckt - beschreiben nicht einfach einen Zustand. Sie sind vielmehr performativ in dem Sinne, dass sie einen Beitrag dazu leisten, festgefahrene Bedeutungen in Bewegung zu setzen. Sie sind auf eine Zukunft gerichtet, in der einem der Spaß, Frau zu sein, nicht manchmal zu vergehen droht; in der Jungs, um es noch einmal mit Madonnas Song zu formulieren, ihr Begehren zu wissen "how it feels like for a girl" nicht mehr verstecken und die Mädchen nicht ihre innere Stärke, und in der die Häufung von Karrierefrauen mit mehreren Kindern, wie auf einem von Meyers Plakaten, keine Irritationen hervorruft und schnell als Fiktion entlarvt ist. Und in dem das "doing gender" ein freiwilliges Spiel mit möglicherweise auch mehr als zwei attraktiven Rollen sein wird.
 

1 Üblicherweise verbindet man mit Re-enactment das Nachstellen bzw. Wiederaufführen von historischer Ereignissen, im juridischen Kontext hat es die Bedeutung von "wieder-in-Kraft- setzen".

2 Madonna: "How it Feels for a Girl", aus dem Album "Music", Maverick/Warner Bros. 2000

When Bea Meyer, in her latest work, reminds us that women still earn a quarter less than men, then it is not to be understood as a form of taking stock forty years later. Her motivation is much more current: a spontaneous utterance by her daughter. This, if one were to take it literally, can be read entirely in the context of contemporary gender theories. "Being a woman" and "being a man" - this is a play we daily perform, a play in which we daily enact what "being a woman" and "being a man" means. For us adults, however, it's no longer a matter of "fun", the binary allocation of roles has long taken place, the script leaves little room for improvisation and an outright denial is only possible at the price of marginalisation. Bea Meyer puts the rule to the test - she evaluates what it means, in all seriousness, to play in the women's league. Yes, a higher life expectancy, for instance, yet currently also five times less of a chance of being ranked among the top 100 artists. But Meyer does not merely want to present dry statistics that could just as much be checked elsewhere. Data is configured alongside icons, colour symbolism and quotations together with various forms of visual rhetoric - advertisements, film posters, blackboards - and a whole spectrum of artistic techniques - drawing, painting, stamping, marking, writing - to achieve works that are aesthetically productive. What emerges are displays individually designed which, through combination and adaptation, give an entirely new twist to what we thought we knew and make us doubt our entrenched set of values. It's as if we were confronted with the film-god Godard's famous macho motto - "all you need for a movie is a girl and a gun" - as a dowdy piece of household wisdom.
"Ich bin froh, ein Mann zu sein" (I am happy to be a man) - Meyer had several men from her circle of friends write this sentence like extra homework during school detention on one of her posters (leniently only once per person!). Words for which good reasons can still be found. "Girls can wear jeans / and cut their hair short / Wear shirts and boots / 'cause its o.k. to be a boy / But for a boy to look like a girl is degrading / 'cause you think that being a girl is degrading [...]"2: even Madonna, the post-feminist icon, is very aware of the hierarchies still present in gender play. Long is the list of derogatory expressions among colloquial euphemisms for women - and Meyer chose some, tracing them in large, hollow letters. For Meyer's still illiterate daughter they are nothing but empty contours to colour in brightly. Juni has, so to speak, left her mark on her mother's works - her quote is printed on every image of the series - but these do not merely describe a condition or state. They are rather more performative in the sense that they arouse fixed preconceptions. They look towards a future in which the joy of womanhood does not threaten to disappear sometime, in which guys, to use the lyrics of Madonna's song, don't hide their desire to know "how it feels like for a girl" and the girls don't hide their inner strength, and in which the group of career women with children, as in one of Meyer's posters, is neither seen as a provocation, nor quickly unmasked as a fiction; and, finally, in which the act of "gender-making" becomes a voluntary game in which there might also be more than two attractive roles.

1 Re-enactment is usually understood as a re-play or a re-performance of historic events yet, in a legal sense, it implies "bringing something back into force or effect".

2 Madonna: "How it Feels for a Girl", from the album Music, Maverick/Warner Bros. 2000.

Den anderen Bildern ihrer Ausstellung liegen Stillprotokolle zu Grunde. Für den Betrachter erschließt sich dieser spezielle Zusammenhang allerdings kaum. Zu sehen ist ein abstraktes Muster, das Meyer auf großformatige Metallplatten lackiert hat und das an konzeptuelle oder minimalistische Bildfindungsprozesse denken lässt, aber nicht an ein persönliches und intimes Protokoll über das Stillverhalten eines Kindes. Meyer dokumentiert einen privaten und intimen Bereich, ohne dabei das Private exhibitionistisch werden zu lassen. Gleichzeitig demontiert sie den Mythos erzwungener Mutter-Kind-Harmonie, in dem sie ein kühles und distanziertes Verfahren der Darstellung wählt und Stillen als statistische Größe vorführt, das einer Reihe an intensiven Schwankungen unterworfen ist. Meyer schafft es in beiden Arbeiten, die Grundstrukturen und möglichen Widersprüche, Verhärtungen und Absurditäten der jeweiligen Abläufe offenzulegen. Während die Rennstrecken en miniature präsentiert werden und erst in dieser Maßstabsverkleinerung die oben beschriebene Analyse zulassen, werden in den Stillprotokollen Form und Inhalt vergrößert und soweit abstrahiert, dass eine grundsätzliche Diskussion auch hier möglich wird. Bea Meyer zeigt wie sehr alle Beteiligten, unabhängig vom sozialen und gesellschaftlichen Status, in der Endlosschleife ihrer Rollenzuschreibungen fest hängen.
Die Technik der künstlerischen Übertragung und Darstellung spielt eine zentrale Rolle in der Arbeit von Bea Meyer. Sie kontrastiert, überarbeitet und interpretiert die unterschiedlichen Materialien präzise und zugleich subtil. Die Künstlerin schafft es die vorgegebenen Bedeutungsebenen von bestimmten Materialien und Gebrauchsweisen in Frage zu stellen, ohne dabei stereotyp oder klischeehaft zu argumentieren. In der aktuellen Ausstellung ist die Übersetzung in konzeptuelle, geometrische Malerei oder in Strickbilder befreit von jedem expressiven Moment und befragt in erster Linie ein technisches Reproduktionsverfahren auf seine ästhetischen Qualitäten. Die rationalen und emotionalen Anteile werden von Meyer geschickt ausgetauscht und die klaren Frontlinien zwischen männlichen und weiblichen Positionen verschoben. Den persönlichen Lebenshintergrund und nicht zuletzt auch die spezifischen Bedingungen der gesellschaftlichen Rolle als Frau klar zu benennen und die formalen Herausforderungen des Materials souverän zu beherrschen, ermöglicht eine intensive Konfrontation mit den genannten Inhalten im Spannungsfeld zwischen künstlerischer Arbeit und gesellschaftlichem Kommentar.

The other pictures of her exhibition are based on breastfeeding transcripts. For the viewer, however, this special context scarcely becomes apparent. What may be seen instead is an abstract pattern which suggests conceptual or minimalist processes of pictorial invention, but not an intimate personal transcript of the breastfeeding behavior of a child. Even though Meyer documents a private and intimate domain, nonetheless she never allows the personal aspect to become exhibitionistic. At the same time, she demolishes the myth of a forced harmony between mother and child, inasmuch as she selects a cool and distanced representational procedure and presents breastfeeding in terms of statistics which are subject to a series of intense oscillations. In both series of works, Meyer accomplishes a revelation of the fundamental structures and possible contradictions, ossifications and absurdities inherent to the respective procedures. Whereas the racetracks are presented en miniature and only in this reduction of scale permit the aforementioned analysis, form and contents are enlarged and abstracted in the breastfeeding transcripts to the point where a fundamental discussion becomes possible here as well. Bea Meyer demonstrates the degree to which all protagonists, independently of their social and communal status, are caught in the endless loop of their assigned roles.
The technique of artistic transfer and representation plays a central role in the work of Bea Meyer. She contrasts, reworks and interprets the various materials both precisely and subtly. The artist succeeds in putting into question the preexisting significatory levels of certain materials and types of utilization without ever arguing in a stereotypical or clichéd manner. In the current exhibition, the transposition into a conceptual, geometrical style of painting or into knitted images, is free from all expressive aspects and, above all, investigates a procedure of technical reproduction in terms of its aesthetic qualities. Meyer cleverly interchanges the rational and emotional elements and shifts the clearly delineated front lines laid out between masculine and feminine positions. By means of her clear formulation both of this autobiographical background and, not least of all, of the specific conditions surrounding the social role assigned to women, along with her consummate mastery of the formal challenges offered by the material, Bea Meyer is able to achieve an intense confrontation with her thematic contents in a dynamic field emanating between the poles of artistic work and social commentary.